被微博屏蔽 #展览资源见评 # 为何将一个杯子重复描绘五千遍？1974年，德国画家彼得•德雷尔(Peter Dreher)开始画一个置于白墙前的玻璃杯。这原本只是一次绘画习作——依照艺术家本人的表述，旨在表明激励自己作画并不需要通过变换题材——却逐渐发展成德雷尔的毕生之作《日日皆好日》(Tag um Tag guter Tag)。在197 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 作为最受瞩目的中国当代艺术家，艾末未在柏林诺伊格-利姆施耐德画廊的展览“了解你自己”(know thyself)展出了他通过乐高零件来解构和重构艺术史和当代图像的系列新作。 凭借乐高这一兼具游戏性和直接性、跨代际和跨国际的媒介，艺术家对西方文化标准进行批判性分析的同时也检视了个人 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 今年正值20世纪最具影响力的艺术家巴勃罗•毕加索(Pablo Picasso)逝世五十周年。瑞士巴塞尔艺术博物馆(Kunstmuseum Basel)不但收藏有毕加索的众多大型油画杰作，更和艺术家本人有着不解缘分。1966年，长期借展的两幅毕加索油画《两兄弟》(1906)和《坐着的小丑》(1923)原本将要在国际市 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 日本女艺术家盐田千春(Chiharu Shiota)当前在柏林柯尼希画廊展出最新装置作品《窗户背后的墙》(The Wall Behind The Windows, 2023)：作为展厅的昔日圣阿格尼丝教堂祈祷室转成了一件细腻编织的雕塑，其规模占据着展出空间的每一立方厘米。貌似无法穿过的红线密网为参观者预备了一条通道 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 油画《圣餐》(Abendmahl, 1994)是作为德国新莱比锡画派代表之一的米夏埃尔•特里格(Michael Triegel)的早期代表作，显然也是对达芬奇《最后的晚餐》的明显援引。乍看之下，我们能在画面中看到众多熟悉元素：意大利文艺复兴时期的建筑形式，水果彩带和铺开的地毯仿佛出自安德烈亚•曼特 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # “色彩的解放”(Die Befreiung der Farbe)是维也纳美景宫大型特展“克里姆特：灵感源于梵高、罗丹、马蒂斯……”中聚焦于克里姆特后期作品的展区——1909年，古斯塔夫•克里姆特(Gustav Klimt)再次为国际艺术在维也纳的传播而殚精竭虑。他和同行们共同为国际艺术展搜集了20世纪初最重要 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 《杀戮机器》(2007)是加拿大艺术家组合珍妮特•卡迪弗和乔治•布雷斯•米勒(Janet Cardiff & George Bures Miller)创作的动态机械装置，也在巴塞尔的唐格利博物馆当前举办的艺术家个展上展出。该作品由一副带木架的不完整金属结构组成，构造中央摆放着一把铺有粉红色人造毛皮的旧牙医诊 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 本篇通过德国画家保罗•克利(Paul Klee)的油画《眺望肥沃土地》(Blick in das Fruchtland, 1932)来关注这位重要的现代主义绘画大师，并附其丰富的作品实拍资源——保罗•克利的一些旅行档案文件见证了他对尼罗河畔的丰饶土地的着迷。茂密的植被以宽阔的条带状沿河流分布，由此和毗邻的 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 瑞士贝耶勒基金会美术馆(Fondation Beyeler)举办的特展“巴斯奎亚：莫德纳画作”(Basquiat. The Modena Paintings)还原了40余年前一场被取消的展览——纽约艺术家让-米歇尔•巴斯奎亚(ean-Michel Basquiat)于1982年夏季前往意大利的莫德纳。画廊商埃米利奥•马佐利邀请这位当时年仅21岁 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 本篇继续介绍德国当代艺术家安塞尔姆•基弗(Anselm Kiefer)在1971至1991年间创作的大型作品《二十年孤寂》(关于该作品的上篇介绍见专属文章)，并在文末附基弗大型作品实拍合辑——在现由沃尔夫斯堡艺术博物馆收藏的该作品中，艺术家将被丢弃的个人画作、尘埃和被焚 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 德国画家奥古斯特•马克(August Macke,1887-1914)是德国表现主义绘画的代表人物，也是南德表现主义艺术团体“青骑士”画社的主要成员之一。现由多特蒙德奥斯特瓦尔博物馆(Museum Ostwall)收藏的作品《大动物园》(Der Große Zoologische Garten, 1912)在马克的艺术生涯中占据显要地位， ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 本篇继续介绍维也纳春季大型特展“克里姆特：灵感源于梵高、罗丹、马蒂斯……”，关注聚焦于克里姆特风景油画的“风景实验”(Experiment Landschaft)展区——克里姆特在奥地利萨尔茨卡默古特的消暑时光完全献给了风景画创作。在摆脱了社会义务的情况下，画家在阿特尔湖畔找到了艺术实验的自由空间。这些创作结果反映出他对克劳德•莫奈、西奥•凡•莱西尔伯格和文森特•梵高等现代主义开拓者的研究。这些艺术家对流传下来的绘画传统提出质疑，他们在分离派展览馆以及米特克和阿诺特画廊的展览也挑战着维也纳人的观看习惯。在绘画方式上，克里姆特的早期风景画尚且类似于莫奈捕捉氛围的画作。新印象主义作品启发他通过色斑来构成对象。相反，克里姆特后期作品的分明轮廓和浓厚的着色则使人想到梵高的创作。克里姆特于1912年创作的《通往卡默城堡的林荫道》是该展区在极其抢眼的作品（见视频末）：在一条由多节疤的树木掩映的林荫道尽头，黄色的房屋外墙分外闪耀。这是矗立在阿特尔湖边的卡默城堡，它曾被克里姆特描绘过五次。对轮廓的强调、部分浓厚的着色、两行树木造成的急剧缩短的透视效果和对比强烈的色彩均令人联想到梵高的画作。十年前，克里姆特能够在维也纳多番研究后者的绘画。保罗•塞尚的影响在该作品中更加微妙，这可以从树叶绿色调的彼此协调以及空间深度和平面效果之间充满张力的相互作用中看出来。展区中因此也展出了梵高与塞尚的风景画——现由美景宫收藏的梵高油画《奥维尔镇的平原》(1890)曾在1903年的维也纳分离派展览馆的印象派画展上展出，并被克里姆特亲眼所见：巴黎附近奥维尔镇上的庄稼地上空是一片低垂的、作为狭长条带的蓝绿色天空。相较于前景中尚有几棵树木闪耀着红橙色彩，地平线方向的色调则越发强烈地彼此融合。画面的纵深感和抬高的地平线捕捉了该地带的宽广，动态的笔触则表现了它的高低起伏。梵高在此度过了他生命的最后两个月。塞尚的《埃斯塔克和伊夫城堡风景》(1883/85)曾于1907年在维也纳米特克画廊展出（视频第55秒）。马赛附近的埃斯塔克渔村和明亮的蓝色大海沐浴在晌午太阳的闪亮光芒中。塞尚将建筑的形状转化成几何平面。他起初和印象派画家保持着不甚密切的关系，后来发展出一套新的绘画体系，旨在让视觉感知、内心感觉和绘画原则达到和谐统一。塞尚强调物体的平面性，通过圆柱、球体和圆锥等基本形状来构建它们。他的艺术造成了不解，直到1906年去世后才获得广泛认可。但在塞尚生前，他的作品也于1903年在维也纳分离派艺术馆展出。评论区附“风景实验”展区完整实拍182张，含每幅油画的丰富特写！另外，我之前还发布过维也纳列奥波德博物馆的克里姆特早期风景画展区资源，详见微博正文 望转发#遇见艺术# @油画侠 @画画的安争鸣 译艺的意义的微博视频收起
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # “格哈德•里希特：风景”(Gerhard Richter. Landschaften)是维也纳艺术论坛和苏黎世艺术馆联合举办的大型画展。本篇便借此来关注里希特的风景画，并附展览实拍资源——模糊是德国当代画家格哈德•里希特的具象油画令人困惑的特质，这一点偏偏在他的风景画中显得尤为合适。它让我们认识 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 维也纳春季特展“克里姆特：灵感源于梵高、罗丹、马蒂斯……”(Klimt. Inspired by Van Gogh, Rodin, Matisse...)呈现了美景宫与阿姆斯特丹梵高博物馆的共同研究成果：维也纳现代主义的开拓性画家古斯塔夫•克里姆特如何受到先锋艺术家们的启发，又怎样将其转化为个人的图像语言？该合 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 德国画家小汉斯•霍尔拜因(Hans Holbein d. J.)年近25岁时创作的《墓中的基督遗体》(Der tote Christus im Grab, 1521/22)是瑞士巴塞尔艺术博物馆收藏的杰作之一。本篇便来关注这幅震撼人心的油画，并附馆藏实拍250张——霍尔拜因是唯一一位描绘躺在墓中的基督遗像的画家，其他画家展示 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 维也纳阿尔贝蒂娜博物馆(Albertina)于2013年为奥地利艺术家戈特弗里德•郝文(Gottfried Helnwein)举办的回顾展至今是其为在世艺术家举办过的参观人数最多的展览。郝文以照片为基础创作的超级写实主义油画不但技艺精湛，而且有意识地揭露了被视为脆弱的世界的反常面——凭借毫不妥协的现实主义，郝文的每幅作品都是对残暴与冷酷的控诉。在此方面，他也触及了现当代历史的敏感禁忌。六十年代末以来，他逐渐将受伤的、血淋淋的儿童作为自己的主导题材。在他看来，儿童不仅作为毫无防卫、听凭摆布的人的代表，同时也是将观者引向社会棘手话题的辅助工具。系列画作《无辜者的低语》便展示了身穿军事制服的儿童，他们或是全副武装，或是遭到创伤，流着血或扎着绷带。艺术家在这些作品中探讨了对儿童的意识形态滥用，也抛出了关于施暴者和受害者的问题。郝文的儿童画像构成了他的个人类型，从根本上让我们精神错乱。自从他描绘这些受困扰、遭凌辱和虐待的儿童，童年的世界已不再是曾经的面貌。但童年可曾真的如表面看起来的那样？人类历史上的童年不常常也是一个残忍野蛮、深不可测的阶段？我们眼中的儿童模式不也只是一种成问题的生物学主义的浪漫建构吗？在影片中重点介绍的《主显节I：东方三博士的朝拜》(2013)中，画家在形式上沿袭了基督教图像表现的古典主题。自中世纪以来作为图像学流传下来的“朝拜”一幕展示了接受东方三博士探访的抱着圣子耶稣的圣母，他们是上帝之子降临世上的最早见证者。但在该作品中，朝拜新生的基督之子的场景却叠化了一幅展示纳粹党卫队的高级军官致敬元首的摄影，为观者提供了将两个层面共同解读的可能：一方面是东方贤士“证明”过真实性的《圣经》传闻，另一方面则是被视为定格现实的摄影媒介。最有趣的是，无论是宗教解读方式的图像学背景、纳粹政权所在的历史时代还是貌似作为真实存在的参考图像被利用的摄影，一切在作品中均保持可见、易懂和透明，油画最终又以绘画媒介的形式展现了这张被误以为真实的照片。同属“主显节”(Epiphanie)系列的油画《主显节Ⅲ：神殿上的展示》(2015/16)则基于一张展示了一战中被榴弹碎片毁容的英国战俘的照片。画中的男人站在桌子周围，桌上躺着一名睡着的女孩。该作品是对解剖课这一特定图像学的戏仿，这类在17世纪的荷兰绘画中普及的群像画往往描绘一群围在一具尸体旁的科学家。除此之外，奇幻与漫画形象也出现在郝文的大多数创作阶段。尤其是他童年时代从米老鼠练习本中接触到的迪士尼卡通形象成为其作品中反复出现的主角。对他而言，与米老鼠和唐老鸭所在的迪士尼宇宙的邂逅堪称一次解放和启示：一个别开生面的、丰富多彩的新世界由此敞开，这对在战后奥地利的阴郁日常生活中成长的郝文来说如同一场拯救。米老鼠也成了他许多作品中的核心形象，他往往将它极端放大并露出牙齿，就像展出的作品《粉红老鼠2》(2016)那样。郝文也让观者预感到咧嘴狞笑背后的潜在阴暗面，以此指出了美丽表象背后可能埋伏的邪恶。“我觉得漫画是非常伟大和重要的艺术”，他表示：“我也从漫画中学到了通过一种图像语言进行交流的可能性。”评论区附维也纳阿尔贝蒂娜博物馆的戈特弗里德•郝文作品展区完整实拍百余张，含每幅油画的海量特写。望转发#遇见艺术# @油画侠 @李某正在潜逃 译艺的意义的微博视频收起
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 本篇来欣赏挪威国宝级画家爱德华•蒙克的经典作品《灰烬》(1894)，并附上蒙克油画实拍资源包——相较于蒙克的其它作品，现由奥斯陆国家博物馆收藏的该作品的场景特征更让人联想到舞台布景。一名身穿黑衣的男子弯着上身，以一副绝望、哀伤或仅仅忧郁的姿势蜷缩在前景左侧。画面中央则被 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 本篇继续关注法兰克福席恩艺术馆刚结束的绘画特展“夏加尔：动荡的世界”(Chagall. Welt in Aufruhr)，并附第二批展览资源——马克•夏加尔(Marc Chagall)的绘画如同复杂的织花壁毯：宗教象征、故乡的民俗题材、马戏世界和犹太传统交织成愉快又忧郁的梦幻图像。但展览聚焦的三、四十年 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 作为古斯塔夫•克里姆特(Gustav Klimt)作品的最大收藏机构，维也纳美景宫在2021年为现由私人收藏的克里姆特最后一幅油画《持扇子的女人》(Dame mit Fächer, 1917)举办了两期特展，分别展示克里姆特的晚期未竟作品以及东亚对画家的风格影响。曾在1920年维也纳艺术展上亮相的该作品得以在百余年后重返维也纳。身穿中国礼服的持扇女人侧着长脖子上梳着高髻时髦发型的脑袋，泰然自若地看着远处。她的嘴唇上挂着浅浅的微笑，衣服从左肩上滑落下来，显得既潇洒又诱惑。赤裸的胸脯被手绘的扇子不经意地遮挡。红黄蓝三原色构成了该油画色彩的主和弦，并配上了它们的混合色以及黑白。黄色支配了整个画面，其金属板的照耀效果也许是克里姆特“金色时期”的回响，同时又使人追忆起使用金色背景的日本琳派。它赋予画面一种隆重而奇异的氛围。蓝色的色调从扇子上的深蓝色过渡到衣服上的蓝绿色，再到强烈的、混合着白色的群青颜料，甚至逼近紫色。对于红色，画家采用了耀眼的胭脂红，并夹杂着粉色和橙色。在围绕着女子的装饰图案方面，克里姆特在黄色壁纸中对大规模的典型东亚纹样的使用堪称铺张，包括在东亚艺术中随处可见的、象征幸福的凤凰、仙鹤、锦鸡和莲花。他从自己收藏的中国与日本服饰和艺术品中找出它们，将其花饰和图案极端放大。衣服的纹样——周围的形状在此小部分地积聚起来——似乎溶解在其中。衣袖的黑白条纹别具魅力，它和位于画面左上方的鸟的翼羽相呼应。对日本绘画的另一处借鉴则在于作品本身：克里姆特广泛的亚洲工艺品收藏中也包含了这种美人画(Bijin-ga)，即展现歌舞伎等美丽名流的日本彩色木版画。克里姆特逝世时，《持扇子的女人》和未完成的《新娘》(Die Braut, 1917/18)一同摆在画室的画架上。除了少量细节之外，该作品几乎完成。“美丽的维也纳女人”是克里姆特挚爱的主题之一，但相较于他为社会上层女性创作的大多数画像，该作品很可能选择了一位不知名的舞者。克里姆特毕生深入探索远东艺术，这也体现在他这幅《持扇子的女人》中。早在19世纪80年代，克里姆特便开始研究亚洲艺术品，它们主要源于日本，后来也包括来自中国、朝鲜、伊朗和印度的艺术。他不仅从中借鉴了装饰图案，而且也参考了构图方面。他研究典型的颜色搭配，并将其转移到自己的油画中。和他圈子中的席勒和科柯施卡等艺术家一样，克里姆特也是维也纳文化研究所的成员。这家成立于1915年的机构在一战期间宣传一种和平主义和平等主义的世界文化，并拒绝彼时盛行的西方文化优越性的观点。克里姆特的该作品同样反映了这番要求，欧亚两地的图像传统在此对等地构成了和谐整体。克里姆特将从各个时期和各种艺术中汲取的灵感转移到独立而自由的绘画中。 评论区附展览第二期完整实拍154张，含油画的丰富特写！望转发 [注]我之前曾发布过维也纳美景宫展出克里姆特作品的最核心展厅的展览资源，详见 网页链接#遇见艺术# #二创宝藏榜# #画家笔下的色彩有多惊艳# @_30赫兹_ @李某正在潜逃 译艺的意义的微博视频收起
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 即便是像性与死亡这样最私密的方面也具有政治性，美国女摄影师南•戈尔登(Nan Goldin)在此找到了她的核心主题。本篇便来分享柏林艺术学院当前举办的她的作品展——戈尔登的摄影往往被认为能引发丑闻和挑衅，因为它们不顾禁忌地聚焦于社会边缘的生活。她从不设置障碍，尽可能地让照片中 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 关于荷兰著名画家皮特•蒙德里安(Piet Mondrian)的特展“蒙德里安：演变”(Mondrian. Evolution)是杜塞尔多夫北威州艺术收藏馆在其150岁诞辰之际与荷兰海牙艺术博物馆联合组织的大型画展。许多人印象中的蒙德里安作为以黑白直线和红、黄、蓝色块进行严格几何构图的画家。但鲜为人知的是 ...展开
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🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # “从戈雅到马奈”(Von Goya bis Manet)是慕尼黑新陈列馆(Neue Pinakothek)数年整修期间在隔壁老陈列馆借地举办的馆藏杰作展，展出了18世纪末至20世纪初的近90件油画与雕塑。包含《向日葵》(1888)等数件梵高画作的题为“新艺术，新风尚”的展区无疑是整个展览的高潮——梵高、高更、克里 ...展开 🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 维也纳阿尔贝蒂娜博物馆今年举办的大型绘画特展“爱德华•蒙克：对话”(Edvard Munch: Im Dialog)的首间展厅展出了这位挪威著名象征主义画家的早期油画——由巴塞尔艺术馆收藏的油画《阿斯加德斯特兰的街道》(Straße in Åsgårdstrand, 1901)便是其中尤为出彩的作品（视频第19秒）：蒙克从1893年起采用呈斜线或曲线向深处延伸的街道这一动态构图元素，例如在描绘卡尔•约翰斯大道的城市场景时。在阿斯加德斯特兰，除了前景中一个戴帽子的女孩，具有威胁感的人群被一群女人和街道右边一团模糊形状旁的两个独行者取代。女孩的孤独和画家经常营造的隔绝感却通过构图和彩色的色调削弱。挂在该油画旁边的是近十年前创作的《海滩神秘主义》(Strandmystik, 1892)：在经历过自然主义和印象主义的尝试后，蒙克在九十年代的风景画转向了象征主义。在这幅展现被月光掩映的无人海岸的作品（视频末）中，白色的枯树干形似章鱼触手，右边海岸上与其说抽象不如说拟人的造型暗示了包含一切的自然循环。柱状的月亮倒影和海中的小型岩石阵可以被理解成典型元素。大自然成了表达艺术家阴郁的精神状态的载体。直到1900年后，这种阴森感才让位于对画家身处的挪威环境的绘画再现。19世纪80年代初，蒙克在克里斯蒂安尼亚（今奥斯陆）学习绘画。他的作品最初仍以比他稍年长的挪威同行兼导师弗里茨•索洛(Frits Thaulow)和克里斯蒂安•克罗格(Christian Krohg)的自然主义为参考，但他不久便抛弃了他们的风格。在此期间，蒙克也成为所谓的“克里斯蒂安尼亚波西米亚”团体 的一员。这是一个围绕着作家和无政府主义者汉斯•耶格(Hans Jaeger)的文学和艺术家圈子，它既反对中产阶级生活，又抵触任何形式的民族主义，并在一篇被禁的纲领中构想了一个自由社会共同生活的乌托邦。耶格的理论不但影响了蒙克的艺术，而且反映在他在绘画之余撰写的文章中。1884年，蒙克的画作在克里斯蒂安尼亚的秋季沙龙上首次展出并招来批判。仅仅两年后，他带着四幅作品再度参加秋季沙龙。其中包括在下间展厅中展出的、当时以“习作”为题的《生病的孩子》，该油画表现的是蒙克因肺结核而早逝的姐姐索菲的死亡。他最终掀起一场丑闻，评论家将他的画称作未完成的“乱涂乱画”。1890年前后，蒙克创作出首批象征主义作品。在他极富表现力的风景画中，自然成了人类情绪的投影空间和灵魂的镜子。尤其是位于奥斯陆峡湾的阿斯加德斯特兰——蒙克夏季时在那里为自己租下了一栋房子——对他而言更是提供灵感的特别地点。蒙克主要在暂居巴黎期间接触到象征主义。他在那儿的独立艺术家沙龙等地结识了当代先锋艺术家。文森特•梵高、乔治•修拉、保罗•西涅克和亨利•德•图卢兹•劳特累克的绘画最终影响了他自己的创作。 在此附包括该展区完整展品在内的展览实拍210张，含每幅油画的丰富细节！关于“爱德华•蒙克：对话”的整体介绍和首批资源发布见我之前的一篇O译艺的意义 望转发#遇见艺术# #二创宝藏榜# @_30赫兹_ @博物館收藏夾 L译艺的意义的微博视频
🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 慕尼黑城市和当代艺术博物馆(MUCA)是德国首座城市文化博物馆，其包括英国著名街头艺术家班克西(Banksy)大量原作在内的馆藏可追溯到1998年。博物馆当前举办的“25周年”(25 Years)藏品展将这些当代作品置于早期艺术史流派的背景下以探寻源头。展览中的众多艺术家受波普艺术、具象绘画、 ...展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 为纪念35岁坠机早逝的卢森堡艺术家米歇尔•马耶鲁斯(Michel Majerus)逝世二十周年，柏林诺伊格尔-里姆施耐德画廊举办的特展“油画”(gemälde)还原了艺术家于1994年在当时位于柏林夏洛腾堡区的美术馆举办的首场个展，反映了马耶鲁斯邀请观者以极端新方式感知和理解绘画的创新性艺术实践 ...展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 维也纳列奥波德博物馆(Leopold Museum)不仅是世界上最大的席勒作品收藏机构，而且拥有古斯塔夫•克里姆特的丰富藏品。本篇就来介绍聚焦克里姆特风景画的“风景的魔力”(Zauber der Landschaft)展区——克里姆特的风景画大约占整体油画创作的四分之一。值得注意的是，他在该类型绘画中并未融入叙事元素。画家在此所重视的是描绘一片不依赖于人类、反映静谧氛围的自然。这在很大程度上归结于克里姆特对象征性表达的兴趣，这一点特别体现在展现水域的画作中。同样重要的是永恒与暂时性方面以及能量持续自我更新意义上的自然循环。除此之外，我们也需要考虑到处在世纪之交的克里姆特的处境：他和作为伴侣兼缪斯的艾米丽•弗洛格(Emilie Flöge)及其家属在夏季逗留在阿特尔湖畔。对隐私状态和与围绕着他为维也纳大学创作的四幅“院系画作”的激烈争论保持必要距离的需求在当时极为高涨。因此，这些消夏时光是他在熟悉的好友圈内获得放松的有效手段。和他的女性肖像画或象征主义作品不同的是，克里姆特的风景画几乎没有扫描草稿，这可以通过他主要在自然环境中作画来解释（但他偶尔也维也纳的画室内根据摄影或明信片来创作）。这些风景画采取正方形的图像规格，望远镜或观剧望远镜等视觉辅助手段的运用使这些景观表现出一种裁剪感。另外，尤其是以二维元素和多彩的花纹装饰著称的图像空间组织方式同样属于他风景画的显著特征。影片重点介绍了该展区的油画《阿特尔湖畔》(Am Attersee, 1900)：维也纳艺术评论家路德维希•赫维西(Ludwig Hevesi)在1901年举办的第11届分离派展览上看到此作时将它崇拜地称作“充满湖水的画框”。人们在岸上打量阿特尔湖时，一座带有城堡的小型半岛会位于右侧，它也在画作右上边缘得到交代。赫维西恰当地表达过构图的基本理念：水面几乎完全将画面填充。它由下往上渐渐消失在蒸汽或云雾中。克里姆特以大量蓝绿以及朝右边缘同样运用的白色笔触再现了细小波浪的轻微运动。它们越往上越纤细，直到被一道绿松石色和蓝灰紫色取代，因此造成了深度。我们可以隐约看到将水面和背后的山峦区分开来的线条。岛上的丛丛树木和上空被边框截断的云朵和左边的山坡相呼应，后者的上空同样漂浮着云。通过亮度的差异和采用将远处和更远处风景元素进行色彩融合的空中透视，克里姆特也在此营造了空间感。在后来的风景画中，他很少再展现天空——这是他探索深度和平面、真实空间和图像空间的结果。《阿特尔湖畔》代表着克里姆特风景画创作中里程碑。它表达了对自然的深刻理解，同时也是一件令人惊讶的纯绘画作品。评论区附克里姆特“风景的魔力”展区完整实拍178张，含每幅画作的丰富特写！望转发[注]这是我发布的关于古斯塔夫•克里姆特画作资源的第三篇内容，之前还分享过维也纳阿尔贝蒂娜现代博物馆举办的“古斯塔夫•克里姆特：素描”特展（见O译艺的意义）和维也纳美景宫展出克里姆特和埃贡•席勒作品的最核心展厅（见O网页链接）。#遇见艺术# #微博公开课# @_30赫兹_ @妇女之敌罗严塔 L译艺的意义的微博视频
🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 维也纳阿尔贝蒂娜博物馆(Albertina)当前举办的关于美国艺术家让-米歇尔•巴斯奎特(Jean-Michel Basquiat)的大型特展是这位盛年早逝的绘画天才在奥地利的首场博物馆回顾展，共展出近50件核心作品。巴斯奎特是首位、也是至今最著名的非裔美国艺术巨星。在其短暂的创作期内，他凭借受涂鸦、卡通和素描影响的绘画语言彻底终结了当时盛行于美国的极简艺术和观念艺术。巴斯奎特吸纳了他在纽约街头遇到的大量信息，包括名字和符号、人物和图像。艺术中所有被悉心策划和谨慎组织的成分被他一扫而光，反映了对朝我们涌来的成千街头印象的破碎感知，也象征着他对既定的社会秩序的批判。他的复制粘贴技法也预见了我们如今所处的数字化世界中的工作和交流形式。题为“绘画作为表演行为”的展区尤其体现了巴斯奎特的风格特征：通过难以模仿的线条，巴斯奎特将具象和表现性元素结合起来。素描始终是他艺术创作的基础，字母、词汇、清单和短语往往成为他作品的核心组成部分。早在作为涂鸦艺术家的创作初年，他的图像文字已经具有了极高的可辨识度。伴随着不熟练的舞蹈运动，巴斯奎特用握着油画棒的右手勾勒，堪称一名躁狂画家。他通常坐在地板上画素描，即便在聊天期间也几乎始终在画。他宛若表演一般，通过手部运动将素描行为、滑动的画笔在绘画基底上的摩擦以及简单的形状和字母节奏性视觉化。巴斯奎特对素描的激情类似于埃贡•席勒和赛•托姆布雷——他们都发展出极其独特的素描语言。尤其是后者在构图中对词语和文字的处理成为巴斯奎特的重要榜样，他由此学到可以将画布上的词语划线删除，以此来强调它们。巴斯奎特既着手于非洲的过往，也探究成问题的社会等级，其作品表现的最重要主题是同样涉及自身的无所不在的种族主义。他的创作生涯集中在1980至1988年间（他于1988年因吸食海洛因过量而离世），其短暂一生以种族骚乱、平权斗争和黑人运动为标志。在当前备受讨论的身份政治和黑人命贵运动的背景下，巴斯奎特的作品表现出强烈时效性。警方暴力的主题也反映在展出的油画中：《条子》(La Hara, 1981)中的白人警察和同年创作的《黑人警察的反讽》(Irony of Negro Policemen)中被压迫的非裔美国人相互对峙。在这些画作中，殖民主义、剥削和对不平等占有关系的控诉以一种新表现主义的语言获得了独特表达。影响着我们生活的各个领域的不对等、压迫和身份问题都曾被他无情地揭露。巴斯奎特就像一名外科医生一样，揭开了有害的消费社会的表面伪装，暴露出真实的、不可见的内核。评论区附本次特展首批现场实拍200张，含每幅画作的丰富特写！望转发#遇见艺术# #微博公开课# @_30赫兹_ @糊糊馆长 L译艺的意义的微博视频
🔗 网页链接 展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 今天害羞地分享维也纳阿尔贝蒂娜现代博物馆(Albertina Modern)举办的“古斯塔夫•克里姆特：素描”(Gustav Klimt: Zeichnungen)特展，重点来关注展出的情色作品——克里姆特留存下来的素描超过三千幅。在长期遭遇忽视后，它们如今被视为其油画的基本补充。克里姆特的素描的确再现了这些 ...展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 瑞士女艺术家米莉亚姆•卡恩(Miriam Cahn)在2017年受邀参加在卡塞尔和雅典两地举办的第14届文献展。她在卡塞尔文献展大厅展出了彩色油画，雅典展厅则展出了1980至1992年间创作的素描，并附有数篇文章。这间“雅典展厅”(„Athener“ Raum)现依照作为首展场地的希腊贝纳基博物馆的原始规 ...展开全文 被微博屏蔽 #展览资源见评 # 德国女艺术瑞贝卡•霍恩(Rebecca Horn)的装置作品《孔雀机器》(Pfauenmaschine)是1982年第七届卡塞尔文献展上的经典之作，当时在一座小型古典主义亭阁内展出。柏林托马斯•舒尔特画廊在该作品四十周年之际特别举办了包括它在内的霍恩个展。霍恩在关于《孔雀机器》的诗歌中细致描述了该装置的运动过程：“随着招来配偶的雄孔雀的声声叫唤，一座机器在八角亭内部开始微微活动，全神贯注地将它长长的金属触杆呈扇形展开到空间中，逐渐僵化，触碰到对面的墙，然后在金色瀑布的拍击声中平静下来，谨慎地将展开的半圆形扇面伏到地板上，将空间阻断。”此前一年，霍恩为自己执导的剧情片《费迪南达：献给美第奇别墅的奏鸣曲》设计过一架运用真实的白孔雀羽毛的类似动态雕塑。当时的霍恩创造了她的首批机械作品，该时期取代了她七十年代伴随着身体扩展、以面具、羽衣和扇子为道具的行为表演阶段。在有孔雀栖息的美第奇别墅花园拍摄期间发生的一件事对此起决定作用：雄孔雀一整年都在培养华丽的尾羽，却只在四周的交配期内才撑开那轮夺目的羽毛，之后又将其失去。在电影拍摄的九月，这些动物最终全都失去了羽毛。霍恩对此感到失望，从而构造出她的第一架孔雀机器。这是她尤为独特的创作方法的开端，她从此开始创造重要的机械作品和大型动态装置。这些作品此后具有了独立生命，在替代了人的身体的同时却并没有模仿后者。对于霍恩而言，这些机器具有“一种灵魂，因为它们产生行动、颤抖、振动、变得失去知觉，几乎瓦解，但随后又重新醒来并复苏。它们并非完美的机器……我感兴趣的是一件事物的灵魂，而非机器本身……真正打动我的是机器和它们的观众之间的故事。”尽管往往采用坚硬和冰冷的材料和精准的技术，通过与精确的时间间隔和仪式般的运动的互相协调，霍恩的作品成为充满感情的感性艺术，它们在攻击性和温柔之间保持着平衡。霍恩作品中鸟和羽毛的隐喻在《孔雀机器》中找到了一种新的视觉诗意的形式。1944年出生的瑞贝卡•霍恩在八十年代获得国际声誉，除早期的身体艺术外，其丰富的创作涵盖行为表演、装置艺术、雕塑和电影等。在四十余年的艺术生涯中，她创造出极具象征性的个人艺术宇宙。现实与虚构在此重叠，男性与女性、物质与精神、主体与客体等双元论不断越界。除了动态机械雕塑外，同时展出的还有上面提到的她的行为表演的摄影记录。在因身染严重肺病而被限制在疗养院之后，她将织物和羽毛和作为身体的延展，以此在摄像机和一小圈好友和合作者面前进行表演，这些作品探索了人体的界限和扩展身体的感知可能性。评论区附完整纪录片和展览现场实拍，含丰富的作品细节特写另外，我之前发布过霍恩在维也纳艺术论坛的回顾展的首批展览资源，详见O译艺的意义 望转发L译艺的意义的微博视频
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